尤景仰老師製作與編曲作品

      一般唱片編曲中，鼓組裡的中音鼓群「Tom Tom」，通常會使用三至五顆不等。但這幾顆 Tom Tom 的相位，究竟應該怎麼擺？應該是由左到右？還是由右往左？左右要到「底」嗎？

   照理說，和聲的編寫應該是編曲人的份內工作。但是，在唱片幕後環境分工越來越細緻之下，也出現了所謂的「專業和聲編寫人」，他們分擔了編曲人的工作，這也是由於編曲人的工作越來越複雜所致。

  音樂從來就是相關於聽覺，只是，現今的編曲環境，多數都是以 DTM 的型態進行。也就是說，使用 MIDI 相關編輯技巧，同時使用音序編輯軟體，再加上各種合成音源、取樣音源、VST 虛擬樂器等等，在一部電腦或多部電腦下完成編曲工作。

    問題來了，紀錄音樂的方法，從原本的單純「演奏」，提升到可以使用 Step Edit，即所謂的「數值輸入法」來編輯，音樂中的各個要素都被解析為數值，以便取代演奏來紀錄音樂。除此之外，也有「圖形剪貼」、「波形剪貼」等種種形形色色的方法，來取代過去只能使用演奏的單一輸入方式。有趣的是，「數值輸入法」較偏重觀念、邏輯性。而「圖形剪貼」與「波形剪貼」，則可以使用視覺來協助音樂編輯。

    像是我們所熟悉的「Piano Roll Edit」，這就是可以直接運用視覺來輔助聽覺的編輯工具。不過，就是有些編曲新手，過分依賴視覺，以致於本末倒置。經常看到的現象是，視覺上確定是沒有錯誤了，事後就不再聽一次重複確認，以致編出來的音樂有很多小問題。其實最容易發生錯誤的原因，是往往忘了計算硬體﹝電腦﹞在錄音卡上的時間差。

    譬如說，直接以同一部電腦直接計算出來的波形，同常不會有太大的時間差，可以不用特別修正。但兩部電腦的情況下，例如電腦 1.是音序編輯軟體專用，電腦。 2.是 Giga Sampler 專用的情況下，以 Analog 方式錄音時，由於記錄﹝錄音﹞與發音﹝輸出﹞都各有時間差，即使在視覺上看起來兩個音符是在同一位置，實際上兩個音符會有大約 10 毫秒至 15 毫秒的差距。當然，隨著樂曲速度、硬體設備、設定等等原因，也會讓這個差距有所變化。

   如果再混合實體外部合成音源來使用，那差距又有不同，通常外部音源與電腦內部的 VST 音源的錄音上，最後的時間差約為 5 毫秒至 10 毫秒之間，同樣的，樂曲速度、電腦硬體設備、設定等也會同時影響這個結果。所以說呢，單單只靠視覺來編輯音樂是有一定的風險。

   再說 Picth上的波形編輯，我們都知道，現在有很多歌手的唱片錄音，有些是非常倚賴後期所謂「Vocal Picth Edit」的動作。這些調整 Picth 的外掛插件軟體一般都能使用視覺來編輯，以確認被調整的音高是否「到位」。

不過呢，經驗老道 的錄音師、製作人或編曲人都知道，當大量音響被結合之後，其實相互混合與干擾之後，整體聲響的音高也會產生變化。所以即使只是把歌聲調得「超準」，也不見得會好聽，「音高準度」與「好聽與否」是兩回事。過分倚賴視覺編輯音樂的結果，就是以為「都對了」，卻發生「啊怎麼都怪怪的」的結果。

    即使是運用視覺來編輯音樂，也記得要同時對素材執行視覺上與聽覺上的再確認。譬如說像是 ACID 這一類的軟體，提供了很多音樂素材，決定速度之後，一塊一塊往編輯畫面上丟，非常容易也非常有趣。但如果下次有機會使用這個軟體編輯音樂時，請試試以多個音樂素材進行編輯(最好是五個以上)，然後將橫向檢視開到最大來檢查，就可以發現素材的很多位置都有不同的時間誤差。這些都需要細心的修正與再編輯。

   音樂最後終究是用「聽」的，所以在過程中，無妨用「數值」或「視覺」等方式來輔助或直接執行編輯。但記得，最後的成品還是要靠自己的耳朵聽過，確認無誤之後才算大功告成。所以呢，請別單單相信自己的眼睛。

   音樂，還是要多倚重耳朵的確認。

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        其實，在過去分秒必爭的國內唱片製作環境下，造就了一群神乎其技的樂手；話又說回來，沒有三兩三，是很難成為專業樂手的。這樣說來，『進錄音室前，倒底有沒有事先練習過？』

        沒有！

       『那……現場有多少時間可以練習？』

        現場通常會走個一兩遍歌，現場能練習的時間約為十分鐘。進錄音室十分鐘內，通常就正式錄音，然後20～30分鐘內完成一首歌曲的完美演奏。

        如何？可怕吧！！

        除了現場視奏能力，即興演奏能力也不可或缺。專業樂師在進錄音室之前，根本不知道今天要演奏哪些玩意兒，一進錄音室才拿得到譜，看到譜就得馬上演奏出來；即興演奏的部份，也不是彈奏得出來就可以輕易過關，還得符合製作人或編曲人的要求，要奏出「味道」才行。

        只有一、兩套大刀是耍不起來的。很多音樂人即使親眼目睹過程，仍然很難相信那些精彩的演奏，只經過十分鐘練習就能完成。

        這些魔鬼樂師有多神奇呢？舉個例拿吉他手來說，他能夠聽一遍歌，就把歌曲的和絃進行、曲式進行、節奏變化、合奏位置都聽得一清二楚；通常吉他手聽第一次歌曲時，會順手紀錄上述重點。

聽第二次歌曲時，進行對照確認。第三次就正式錄音了。如果吉他沒有獨奏部份，只有負責一軌節奏部份的話，那就不會有第四次，因為在第三次就已經錄好了。

        薩克司風、二胡、中國笛這類獨奏樂器的樂手，也是個個身懷絕技，現場視奏與即興演奏的能力均屬一流。在相同的音樂背景之下，他們能立即演奏出數十種不同的精彩即興樂句，供製作人和編曲人挑選運用。

        和聲人員也都不是省油的燈，現場看譜現場學唱，他們必須現場演唱至少三聲部的和聲，並且貼著主唱歌手的口氣與咬字，沒有一定的音樂能力，這種高難度的演唱動作是絕對做不來的。

        專業樂手的演奏、或演唱練習，絕對不是在錄音室進行；而是平時就已有充分的準備。在錄音室該做的事，就是把最好的狀況表現出來、演奏出來。

        如果在時間有限的狀況下，就能有很好的現場演奏，一旦時間充裕，他們的演出也必定更臻完美。

        編曲人也是同樣道理，平時做好準備，才能隨時隨地都有最好的表現。

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        由任何樂器入門，都有機會成為一個優秀的編曲家，並不侷限於只能由學習鋼琴開始。

        編曲作業上所需要考慮的和聲、節奏、曲式、風格、音色組合等常識，可以透過每一種樂器來學習；只不過，入門樂器的不同，會使這些編曲人各具所長。

        譬如說，一開始學習薩克斯風而從事編曲工作的人，他們會更快具備旋律感，擅長爵士風格及擁有很好的即興演奏編寫能力，同時對於降記號的譜表特別熟練，他們對大樂團(Big Band)的樂器編制、音色組合、樂器演奏特性等，都特別熟悉。

        至於從吉他開始學習的編曲人，他們善於製造簡單卻豐滿的和絃。對於伴奏音型也常有獨特的見解；搖滾及鄉村風格是他們的拿手好戲，對升記號的譜表得心應手，同時也對基本節奏組合(Basic Rhythm Section)的音響性特別熟練。

        一定還是有人會很好奇，從學習鋼琴、電子琴這類鍵盤樂器出身的編曲人，又會有哪些優勢呢？最大的差別在於，他們可以運用本身的鍵盤技巧，更快速的將MIDI應用在他們的工作上。

        因為在目前國內的唱片製作環境中，一個專業編曲人，必須透過合成音源機或取樣音源機，包辦幾乎所有樂器的模擬演奏；更因為輸入MIDI訊號的主控裝置，仍然以鋼琴鍵盤為主的緣故。雖然薩克斯風、吉他也都可以藉由MIDI介面傳輸MIDI訊號，但就模擬各種樂器的演奏技巧來說，透過跟鋼琴鍵盤一樣的MIDI主控鍵盤，還是最能夠輕鬆勝任。

        我們可以想像，想要藉著一把單音樂器的MIDI薩克斯風，用它來模擬演奏複音樂器的手風琴，根本就是不可能的事；相同的，運用MIDI吉他來模擬演奏爵士鼓或絃樂四重奏，技巧上並非不可能，但顯然不是件有效率及有意義的事。

        雖然說，每個編曲人可以從不同的單一樂器，開始學習編曲所需的音樂理論。但是到最後，一個專業編曲人還是必須瞭解及熟悉其他大部份的樂器，包括這些樂器的音色、音域、演奏技巧特性、以及它與其他樂器組合之後的音響。

        擁有鋼琴的彈奏能力，對一個編曲人來說，絕對會加分；但是要想當成為一個編曲人，卻不見得一定要由鋼琴學起；編曲理論的學習，可以由任何樂器開始！

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        因為一個專業編曲人要做的工作實在太多了，多到可以令人瘋狂。從接案到結案，前前後後有上百個細節要注意、要執行。或許一個編曲新人在進入業界的初期，還能自己處理這之中的所有事情；一旦大紅大紫，要事必躬親應付所有瑣事，是絕對有困難的。

        一個好的專業編曲人，是否擁有優秀拔群的音樂能力？當然是最重要的考量！但是，如何能接到案子？如何面對委託業者的討價還價？如何應付一堆人，以音樂以外的角度來檢視你的作品、要求你的修改？這些需要溝通、談判與交際應酬的事，不見得每個編曲人都能處理得好。

        就從接案開始說起，絕大多數專業編曲人的案子，都是委託業者「聞風而來」；也就是說，委託業者在市場上聽到某個編曲人的音樂作品，剛好符合他目前的需要，才與編曲人接洽合作事宜。

       換句話說，專業編曲人都是比較「被動式」的在接案，這是因為，主動去推銷自己的編曲能力，而能這樣接到案子的機會並不大。這種事透過第三者傳達會比較好，而經紀人就是這之中最好的媒介。

        再談到錢，這簡直就是藝術家的死穴。要音樂人面對五百、一千這種討價還價，根本是一種折磨。偏偏『能不能算便宜一點？』、『我們預算沒那麼多，能不能配合一下？』

        這類要求在商界是稀鬆平常。不談嘛……吃虧；談嘛……沒格調。編曲新人總是很容易陷入這種兩難之間。編曲的價格有時會因種種的狀況而必須作出調整，而委託業者也會提出種種理由希望降價。這時候，有個經紀人還是比較好，讓委託業者只面對你的音樂能力作出選擇，而不是面對你的談價能力，這樣子處理對一個編曲人來說，還是比較佔優勢的。

        接著談作業溝通，如果接的是一般流行唱片音樂的編曲案，那當然是再輕鬆不過，音樂人和音樂人溝通，通常問題不大。

        萬一接的是戲劇配樂、電影配樂、廣告配樂這類跨業界的案子，那溝通音樂的學問可是與溝通唱片大大不同。這些委託業者會有一堆你想也想不到的理由，來要求你修正音樂。

譬如說：色彩、秒數、產品、動作、台詞、意識形態、訴求消費群、老闆的直覺……等，千奇百怪的溝通方法，除非你上過演員訓練班，否則一臉呆滯的表情不難期待。在這種跨業界溝通語言不同，編曲人有音樂考量，委託業者有市場考量的僵局中，經紀人往往能成為很好緩衝。

        結案的收款也是大學問，經紀人可以幫你拒絕芭樂票、削短竹竿票，幫你扮演大黑臉，拼命向對方摧款。雖然請一個專業經紀人，可能會拿走你每一筆收入的10%至30%。

        但只要能夠良性互動，編曲人可以專心衝刺自己的領域，而專業經紀人所能帶來的利益，遠遠會超出你所付出的。

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