尤景仰老師製作與編曲作品

      一般唱片編曲中，鼓組裡的中音鼓群「Tom Tom」，通常會使用三至五顆不等。但這幾顆 Tom Tom 的相位，究竟應該怎麼擺？應該是由左到右？還是由右往左？左右要到「底」嗎？

    音高的在右邊？還是音低的在右邊？是用鼓手的角度來擺？還是模擬聽眾的位置反著來擺？誰能告訴我！誰能告訴我！誰能告訴我！誰能告訴我！誰能告訴我！誰能告訴我！……

    呵呵，正確答案呢，只有一個人能告訴你，那就是製作人啦。萬一製作人也沒看法，那就靠自己掰嘍，反正呢，總是需要一個說法，最後聽起來好聽、不奇怪，就隨便開心怎麼擺啦。

    話雖如此，還是有比較安全的擺法，但是，這並不代表這樣的擺法是唯一的答案，只是大多數的唱片都這麼擺。那就是以觀眾席聆聽位置來擺。最高音的Tom Tom 擺在編曲人面對喇叭的右邊相位；低音的 Tom Tom 擺在編曲人面對喇叭的左邊相位；Hi -Tom (Panpot：R) ，Low -Tom (Panpot：L)，兩顆以上的Tom Tom 時，就將其他的均置於高低音 TomTom 之間。

    那要不要 Pan 到最「底」？ 嗯……這個還真是不一定咧，有到「底」的，有不到「底」的，有偏右的，也有偏左的……。

  「厚！……那你自己怎麼擺啦！」

    唉……可能是Google talk和MSN用太多了，竟然自己演起來了，呵呵。基本上呢，什麼怪怪的擺法我都用過啦。除了最安全的由右到左的均分擺法之外，如果要比較現場一點的感覺，就會擺的比較中間偏左，也就是模擬真實鼓組中，每顆鼓的位置。但也有跳著擺的，因為製作人說：「我不甲意從右邊到左邊ㄟ感覺…」；也曾經被要求四顆Tom Tom，各兩顆分別 Pan 到「底」，這種打起來，感覺會左右晃動，好像在地震……。還有模擬過一首歌中有兩套鼓的，左邊一套，右邊一套；當然，它們就各是 Mono，各自雄壉一方。

    最難忘的擺法，就是在 AC-3 的音響上，前後左右都各擺一顆，然後每次過門一打，都要繞場一圈。這個感覺不只是地震，連續幾個小節輪下來，簡直就像是被一群機車暴走族包圍……。不過，「我家的 Tom Tom 會跑圈圈」，這可是很多人家拿來炫燿環繞音響的必殺技呢。

    Tom Tom 該怎麼擺，沒有一定的規矩。但是無論怎麼擺，還是要考量相位頻率、配器相位擺置、還有市場訴求等問題。編曲的各個部份都需要思考，當然也包括 Tom Tom 的擺法喔。」

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   照理說，和聲的編寫應該是編曲人的份內工作。但是，在唱片幕後環境分工越來越細緻之下，也出現了所謂的「專業和聲編寫人」，他們分擔了編曲人的工作，這也是由於編曲人的工作越來越複雜所致。

  音樂從來就是相關於聽覺，只是，現今的編曲環境，多數都是以 DTM 的型態進行。也就是說，使用 MIDI 相關編輯技巧，同時使用音序編輯軟體，再加上各種合成音源、取樣音源、VST 虛擬樂器等等，在一部電腦或多部電腦下完成編曲工作。

    問題來了，紀錄音樂的方法，從原本的單純「演奏」，提升到可以使用 Step Edit，即所謂的「數值輸入法」來編輯，音樂中的各個要素都被解析為數值，以便取代演奏來紀錄音樂。除此之外，也有「圖形剪貼」、「波形剪貼」等種種形形色色的方法，來取代過去只能使用演奏的單一輸入方式。有趣的是，「數值輸入法」較偏重觀念、邏輯性。而「圖形剪貼」與「波形剪貼」，則可以使用視覺來協助音樂編輯。

    像是我們所熟悉的「Piano Roll Edit」，這就是可以直接運用視覺來輔助聽覺的編輯工具。不過，就是有些編曲新手，過分依賴視覺，以致於本末倒置。經常看到的現象是，視覺上確定是沒有錯誤了，事後就不再聽一次重複確認，以致編出來的音樂有很多小問題。其實最容易發生錯誤的原因，是往往忘了計算硬體﹝電腦﹞在錄音卡上的時間差。

    譬如說，直接以同一部電腦直接計算出來的波形，同常不會有太大的時間差，可以不用特別修正。但兩部電腦的情況下，例如電腦 1.是音序編輯軟體專用，電腦。 2.是 Giga Sampler 專用的情況下，以 Analog 方式錄音時，由於記錄﹝錄音﹞與發音﹝輸出﹞都各有時間差，即使在視覺上看起來兩個音符是在同一位置，實際上兩個音符會有大約 10 毫秒至 15 毫秒的差距。當然，隨著樂曲速度、硬體設備、設定等等原因，也會讓這個差距有所變化。

   如果再混合實體外部合成音源來使用，那差距又有不同，通常外部音源與電腦內部的 VST 音源的錄音上，最後的時間差約為 5 毫秒至 10 毫秒之間，同樣的，樂曲速度、電腦硬體設備、設定等也會同時影響這個結果。所以說呢，單單只靠視覺來編輯音樂是有一定的風險。

   再說 Picth上的波形編輯，我們都知道，現在有很多歌手的唱片錄音，有些是非常倚賴後期所謂「Vocal Picth Edit」的動作。這些調整 Picth 的外掛插件軟體一般都能使用視覺來編輯，以確認被調整的音高是否「到位」。

不過呢，經驗老道 的錄音師、製作人或編曲人都知道，當大量音響被結合之後，其實相互混合與干擾之後，整體聲響的音高也會產生變化。所以即使只是把歌聲調得「超準」，也不見得會好聽，「音高準度」與「好聽與否」是兩回事。過分倚賴視覺編輯音樂的結果，就是以為「都對了」，卻發生「啊怎麼都怪怪的」的結果。

    即使是運用視覺來編輯音樂，也記得要同時對素材執行視覺上與聽覺上的再確認。譬如說像是 ACID 這一類的軟體，提供了很多音樂素材，決定速度之後，一塊一塊往編輯畫面上丟，非常容易也非常有趣。但如果下次有機會使用這個軟體編輯音樂時，請試試以多個音樂素材進行編輯(最好是五個以上)，然後將橫向檢視開到最大來檢查，就可以發現素材的很多位置都有不同的時間誤差。這些都需要細心的修正與再編輯。

   音樂最後終究是用「聽」的，所以在過程中，無妨用「數值」或「視覺」等方式來輔助或直接執行編輯。但記得，最後的成品還是要靠自己的耳朵聽過，確認無誤之後才算大功告成。所以呢，請別單單相信自己的眼睛。

   音樂，還是要多倚重耳朵的確認。

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        其實，在過去分秒必爭的國內唱片製作環境下，造就了一群神乎其技的樂手；話又說回來，沒有三兩三，是很難成為專業樂手的。這樣說來，『進錄音室前，倒底有沒有事先練習過？』

        沒有！

       『那……現場有多少時間可以練習？』

        現場通常會走個一兩遍歌，現場能練習的時間約為十分鐘。進錄音室十分鐘內，通常就正式錄音，然後20～30分鐘內完成一首歌曲的完美演奏。

        如何？可怕吧！！

        除了現場視奏能力，即興演奏能力也不可或缺。專業樂師在進錄音室之前，根本不知道今天要演奏哪些玩意兒，一進錄音室才拿得到譜，看到譜就得馬上演奏出來；即興演奏的部份，也不是彈奏得出來就可以輕易過關，還得符合製作人或編曲人的要求，要奏出「味道」才行。

        只有一、兩套大刀是耍不起來的。很多音樂人即使親眼目睹過程，仍然很難相信那些精彩的演奏，只經過十分鐘練習就能完成。

        這些魔鬼樂師有多神奇呢？舉個例拿吉他手來說，他能夠聽一遍歌，就把歌曲的和絃進行、曲式進行、節奏變化、合奏位置都聽得一清二楚；通常吉他手聽第一次歌曲時，會順手紀錄上述重點。

聽第二次歌曲時，進行對照確認。第三次就正式錄音了。如果吉他沒有獨奏部份，只有負責一軌節奏部份的話，那就不會有第四次，因為在第三次就已經錄好了。

        薩克司風、二胡、中國笛這類獨奏樂器的樂手，也是個個身懷絕技，現場視奏與即興演奏的能力均屬一流。在相同的音樂背景之下，他們能立即演奏出數十種不同的精彩即興樂句，供製作人和編曲人挑選運用。

        和聲人員也都不是省油的燈，現場看譜現場學唱，他們必須現場演唱至少三聲部的和聲，並且貼著主唱歌手的口氣與咬字，沒有一定的音樂能力，這種高難度的演唱動作是絕對做不來的。

        專業樂手的演奏、或演唱練習，絕對不是在錄音室進行；而是平時就已有充分的準備。在錄音室該做的事，就是把最好的狀況表現出來、演奏出來。

        如果在時間有限的狀況下，就能有很好的現場演奏，一旦時間充裕，他們的演出也必定更臻完美。

        編曲人也是同樣道理，平時做好準備，才能隨時隨地都有最好的表現。

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        由任何樂器入門，都有機會成為一個優秀的編曲家，並不侷限於只能由學習鋼琴開始。

        編曲作業上所需要考慮的和聲、節奏、曲式、風格、音色組合等常識，可以透過每一種樂器來學習；只不過，入門樂器的不同，會使這些編曲人各具所長。

        譬如說，一開始學習薩克斯風而從事編曲工作的人，他們會更快具備旋律感，擅長爵士風格及擁有很好的即興演奏編寫能力，同時對於降記號的譜表特別熟練，他們對大樂團(Big Band)的樂器編制、音色組合、樂器演奏特性等，都特別熟悉。

        至於從吉他開始學習的編曲人，他們善於製造簡單卻豐滿的和絃。對於伴奏音型也常有獨特的見解；搖滾及鄉村風格是他們的拿手好戲，對升記號的譜表得心應手，同時也對基本節奏組合(Basic Rhythm Section)的音響性特別熟練。

        一定還是有人會很好奇，從學習鋼琴、電子琴這類鍵盤樂器出身的編曲人，又會有哪些優勢呢？最大的差別在於，他們可以運用本身的鍵盤技巧，更快速的將MIDI應用在他們的工作上。

        因為在目前國內的唱片製作環境中，一個專業編曲人，必須透過合成音源機或取樣音源機，包辦幾乎所有樂器的模擬演奏；更因為輸入MIDI訊號的主控裝置，仍然以鋼琴鍵盤為主的緣故。雖然薩克斯風、吉他也都可以藉由MIDI介面傳輸MIDI訊號，但就模擬各種樂器的演奏技巧來說，透過跟鋼琴鍵盤一樣的MIDI主控鍵盤，還是最能夠輕鬆勝任。

        我們可以想像，想要藉著一把單音樂器的MIDI薩克斯風，用它來模擬演奏複音樂器的手風琴，根本就是不可能的事；相同的，運用MIDI吉他來模擬演奏爵士鼓或絃樂四重奏，技巧上並非不可能，但顯然不是件有效率及有意義的事。

        雖然說，每個編曲人可以從不同的單一樂器，開始學習編曲所需的音樂理論。但是到最後，一個專業編曲人還是必須瞭解及熟悉其他大部份的樂器，包括這些樂器的音色、音域、演奏技巧特性、以及它與其他樂器組合之後的音響。

        擁有鋼琴的彈奏能力，對一個編曲人來說，絕對會加分；但是要想當成為一個編曲人，卻不見得一定要由鋼琴學起；編曲理論的學習，可以由任何樂器開始！

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        因為一個專業編曲人要做的工作實在太多了，多到可以令人瘋狂。從接案到結案，前前後後有上百個細節要注意、要執行。或許一個編曲新人在進入業界的初期，還能自己處理這之中的所有事情；一旦大紅大紫，要事必躬親應付所有瑣事，是絕對有困難的。

        一個好的專業編曲人，是否擁有優秀拔群的音樂能力？當然是最重要的考量！但是，如何能接到案子？如何面對委託業者的討價還價？如何應付一堆人，以音樂以外的角度來檢視你的作品、要求你的修改？這些需要溝通、談判與交際應酬的事，不見得每個編曲人都能處理得好。

        就從接案開始說起，絕大多數專業編曲人的案子，都是委託業者「聞風而來」；也就是說，委託業者在市場上聽到某個編曲人的音樂作品，剛好符合他目前的需要，才與編曲人接洽合作事宜。

       換句話說，專業編曲人都是比較「被動式」的在接案，這是因為，主動去推銷自己的編曲能力，而能這樣接到案子的機會並不大。這種事透過第三者傳達會比較好，而經紀人就是這之中最好的媒介。

        再談到錢，這簡直就是藝術家的死穴。要音樂人面對五百、一千這種討價還價，根本是一種折磨。偏偏『能不能算便宜一點？』、『我們預算沒那麼多，能不能配合一下？』

        這類要求在商界是稀鬆平常。不談嘛……吃虧；談嘛……沒格調。編曲新人總是很容易陷入這種兩難之間。編曲的價格有時會因種種的狀況而必須作出調整，而委託業者也會提出種種理由希望降價。這時候，有個經紀人還是比較好，讓委託業者只面對你的音樂能力作出選擇，而不是面對你的談價能力，這樣子處理對一個編曲人來說，還是比較佔優勢的。

        接著談作業溝通，如果接的是一般流行唱片音樂的編曲案，那當然是再輕鬆不過，音樂人和音樂人溝通，通常問題不大。

        萬一接的是戲劇配樂、電影配樂、廣告配樂這類跨業界的案子，那溝通音樂的學問可是與溝通唱片大大不同。這些委託業者會有一堆你想也想不到的理由，來要求你修正音樂。

譬如說：色彩、秒數、產品、動作、台詞、意識形態、訴求消費群、老闆的直覺……等，千奇百怪的溝通方法，除非你上過演員訓練班，否則一臉呆滯的表情不難期待。在這種跨業界溝通語言不同，編曲人有音樂考量，委託業者有市場考量的僵局中，經紀人往往能成為很好緩衝。

        結案的收款也是大學問，經紀人可以幫你拒絕芭樂票、削短竹竿票，幫你扮演大黑臉，拼命向對方摧款。雖然請一個專業經紀人，可能會拿走你每一筆收入的10%至30%。

        但只要能夠良性互動，編曲人可以專心衝刺自己的領域，而專業經紀人所能帶來的利益，遠遠會超出你所付出的。

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製作人：『最後一遍副歌的氣氛我們溝通一下。』

    編曲： 『嗯，老師請說。』

    製作人：『最後的那八小節我們把它弄得美一點，只要弦樂和

                     鋼琴就好，然後安安靜靜地帶入尾奏結束，可嗎？』

    編曲： 『老師，沒問題！』

    過帶前一天，唱片公司老闆來電．．．．．．．．

    老闆：『X老師！你編的那個歌後面怎麼空空的都沒鼓啊？』　

    編曲：『啊．．．我．．．我．．．』

    老闆：『這樣氣氛整個掉下去不對啦，後面應該很偉大地結束啊。』

    編曲：『啊．．．可是．．．』

    老闆：『製作老師沒跟你溝通嗎？』

    編曲：『哇咧．．．．．．』
 
  
        這種困擾對一個新手編曲人來說，屢見不鮮；符合製作人的要求原本就是天經地義；偏偏付錢的唱片公司老闆也跑來軋一腳，要求東要求西；倘若兩個人的要求互相衝突，就足以讓人左右為難，不知道該聽誰的好。

        一般來說，一首歌曲由哪一位編曲老師來編曲，都是由製作人指定；所以編曲當然是只聽製作人的。偶爾也會有唱片公司老闆指定編曲人的狀況，但溝通的責任仍在製作人身上，所以編曲人還是只對製作人負責；清楚自己的位子，不越級做溝通，比較不會有狀況。

        所以，下次接到這種電話，記得還是婉轉地告訴唱片公司老闆，請製作人直接來跟你溝通；或是請製作人與唱片公司老闆進行討論，取得共識後，再讓製作人來告訴你最後的結論。免得處理不好，兩面不是人，從黑髮編到白髮，永遠編不完。

 結論：編曲人只對製作人負責，不越級做溝通，比較不會有狀況；編曲人跳過製作人和唱片公司老闆直接討論音樂細節，絕對不是件聰明的事情。

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       唱片幕後這個工作環境，事實上不是那麼地開放；絕不是拿個音樂文憑，再加上幾個音樂作品就可以得其門而入；特別是編曲這個工作，唱片公司可是一點都不願意冒險試用新人。

        許多急欲進入編曲圈的新人，一方面想要證實自己的音樂實力，一方面也希望自己的音樂，能出現在唱片中，所以很容易就提出『免費編曲』這種條件。不過，唱片公司可是一點都不領情。

        試想，一張唱片的音樂製作費用，少說要一百萬起跳，兩百萬以上也比比皆是，再加上宣傳費、MV、歌手培訓、生產材料、公司人事等等開支，一張唱片從無到有，花費個一千萬也是說多不多；這麼大的開銷，也就怪不得唱片公司連免費的都不敢要。

即使編曲部份全部『免費』大贈送，那頂多只能省個三、四十萬，就整體唱片製作預算來看，所佔比例不大。然而冒然啟用新人會不會有狀況？誰都不敢擔保，換言之，風險太大！所以『免費策略』是很難成功的。

到底要如何進入這個圈子呢？這裡提供三種模式給大家參考，百分之八十的專業編曲人都是以這些模式被發掘的。

﹙一﹚  多多幫人作Demo：

        唱片公司的音樂製作部門，每天都會花很多時間審歌，也就是為特定專輯，挑選適合的歌曲。如果你自己，或者身邊的朋友，剛好也在專輯新曲的邀稿之列，那就千萬別放棄這個機會，用力地給他編下去。一旦你的音樂編得夠出色，就會很容易跳出來被聽到。

        因為唱片公司每天都會安排一堆審歌、選歌會議，卻不會有什麼『選編曲會議』、『挑編曲會議』。要讓圈內人聽到你的編曲實力，專輯選歌會議這個機會絕不能錯失。

        為了讓大家認識你，不妨在 Demo 註明『Demo 編曲人：XXX』，這一點小小的自我宣傳，是可以被接受的。雖然作Demo編曲很可能是沒有酬勞的工作，卻是最容易被唱片公司直接發掘，而成為編曲人的管道。

﹙二﹚  應徵專業編曲助理：

        一個專業編曲的工作內容十分繁瑣，從接案、溝通、作業、修改、交件、請款、一直到領款為止；如果不小心編到主打歌，然後專輯又大賣，保證接下來的案子會接到手軟，沒一個助理，肯定會忙到翻過去。當然，翻過去這種事，由助理來就可以了。

        這種學徒制的模式，最容易快速熟悉專業編曲環境；既可以向專業編曲人學習編曲技巧，又能接觸唱片公司建立人脈，還可以提早接觸編曲行政實務，一舉多得。

        不過，可別寄履歷表到唱片公司應徵編曲助理，這個職位不屬於唱片公司的人事編制；基本上，專業編曲人大多以個人接案的形態工作；所以，編曲助理就等於私人助理；有意願的話，要直接找專業編曲人洽談。

        至於薪水，就不必太期待了，一萬、兩萬其實都很划得來；畢竟，一旦能成功地成為一個專業編曲人的話，豐盛的回收保證物超所值。

﹙三﹚  努力玩樂團

        團結力量大。唱片圈許多身居要位的唱片製作人與音樂總監，在年輕時都組過樂團；一旦自身的實力被肯定之後，很容易就拔擢同樂團的其它團員；有很多知名編曲，過去都是樂團的鍵盤手或吉他手。

        所以，今天身邊的樂團團員，極有可能是明日知名的唱片製作人、詞曲作家、或者音樂總監。只要樂團成員中，能夠有一個人率先進入唱片幕後核心，其他的團員也就不難在唱片幕後工作上發亮發光喔！

結論：以『免費編曲』當策略，要成為專業編曲人不是好方法喔。

      三種專業編曲人入世的成功模式

　       ( 一 ) 多多幫人作Demo。

      ﹙二﹚應徵專業編曲助理。

      ﹙三﹚努力玩樂團 。

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      總譜若能用五線譜來書寫，當然是再好不過，到底五線譜是世界共通的音樂語言。簡譜也不是不行；只是，一旦你的作品成為世界名曲時，在某些不使用簡譜的地區，這一紙簡譜式的總譜，會跟『甲骨文』一樣，得請專家來「解碼」才能演奏。

        其實樂譜有很多種，譬如說，吉他就有六線TAB譜，貝斯也有四線TAB譜，還有鼓譜、箏譜、三味線譜、…….等，。林林總總一大堆，不管使用何種樂譜，只要能忠實呈現編曲人的原意，就是好譜。

        國內唱片圈的編曲人會以簡譜來取代五線譜的主因，主要是因為MIDI越來越盛行的緣故。

        聽聽我們的流行歌曲CD，十之八九的背景音樂，都是MIDI音色取代了真實樂器的演奏；編曲人藉由MIDI自行演奏了大部份的樂器，透過譜面與樂師溝通的機會變少，把編曲的每個音符，在總譜上寫得清清楚楚的必要性也就不見了。

        況且，在現代流行音樂中，使用了很多說不出所以然的音色，像是環境音色、效果音色、氣氛音色等，要在譜面上詳細記載每個音，也不盡合理。

        在國內的唱片製作圈，一個專業編曲人至少要懂兩種最基本的樂譜，那就是五線譜與簡譜；至於其他各式樂譜，當然是能懂得越多越好。

        如果你的編曲中，需要有很多的樂師來進行演奏，那當然是以五線譜來書寫最好；反之，如果這是一首以MIDI音色居多，真實樂器少少的編曲，那你自然可以考慮以簡譜書寫即可。

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      在毫無預警的情況下突然接到編曲委託，然後又必須在不到24小時之內，編完一首歌曲；這對於很多編曲新人來說，肯定是一件非常痛苦的事。

        因為好不容易，終於逮到一次可以好好發揮的機會，心想能不能一曲定江山，從此揚名立萬，紅遍半邊天。不料事與願違，不但時間緊迫，更有可能的是，被指定的編曲風格，根本不是自己最拿手的那一種。硬要在短促的24小時內，變出一首編曲，這種要求常常使得剛入行的編曲新人無從適應。

        其實，編曲新人能從唱片公司或製作人手中接到案子，很多時候是因為，唱片公司與專輯製作人固定配合的專業編曲家們，手上工作過多，無暇再另接新案，才只好接受推薦，試用新人。否則不到最後一刻，唱片公司與專輯製作人是不大願意冒險採用編曲新人的。

        所以呢，千萬別以為哪天接到案子之後，會有充裕的時間供你閉關沉思、尋求靈感。

        一天一首的編曲速度，對於國內專業編曲人來說，根本就是家常便飯、輕輕鬆鬆。在我們熟知的許多流行歌曲之中，百分之八十的編曲都是在這種工作效率下完成的。

        能接到案子，也就表示唱片公司與專輯製作人已經承認你的專業；即使是面對編曲新人，也不會有時間和品質上的優待。 

        編得又好又快， 是當一個專業編曲人的基本條件。

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       很多受過正式音樂訓練的人，一定很難理解，  像簡譜這麼粗糙的記譜法，為什麼在國內的唱片幕後，還是如此廣泛地被使用？難道五線譜真的比不上簡譜嗎？

        我們以簡譜與五線譜在編曲總譜上的使用，來個超級比一比，進一步瞭解其中的差異。

 (一)    書寫音高的簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

        簡譜只要用1234567等七個阿拉伯數字，再加上在數字的上下方，加上黑點，就可以表示音高位置。使用五線譜卻需要將音符描準『間』、『線』這些位置來書寫，比較麻煩。

(二)    書寫音長的簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

        簡譜表示音長只要使用橫線、圓圈、圓滑線、黑點這些記號即可，入門簡單、學習方便。要用五線譜來編寫，得先認識各種『音符』、『休止符』；這些音符「隻隻」長得不一樣。如果再加上『複點記號』，這些『複點音符』和『複點休止符』的音長就變得更複雜，數學不好會算不到，眼睛不好會看不到。

(三)    書寫音強的簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

        五線譜會使用像是『fff』、『ppp』這類術語來表示音樂段落的強弱；或者是用一大堆臨時記號來標示特定音符的強度。至於簡譜，沒有人在簡譜上寫這些東西，所以直接可以不用寫，省事省到最高點。

(四)    書寫音樂表情的簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

        理由同上。

(五)    標示演奏技巧簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

         理由還是同上。譬如說，用簡譜編寫絃樂譜，不用像五線譜一樣，還要註明一大堆『上弓記號』、『下弓記號』；同樣的，用簡譜編寫吉他譜，也不需去指定是第幾把位，或者是標示彈奏第幾絃，樂師自己會判斷。

(六)    標示和絃的簡便性：簡譜勝，五線譜敗。

        即使鋼琴譜和吉他譜也是可以使用Cmaj7、D7、#Fm這類和絃記號來標示和絃；但是簡譜更猛，直接使用調性和絃級數的方法來編寫；這種方法最大的優點是，無論把總譜改成哪一個調子，都可以在譜面上不作任何更動而直接演奏。

(七)    書寫的快速性：簡譜勝，五線譜敗。

        『簡譜』故名思義就是指『簡單的譜』，簡單的譜當然寫起來要比複雜的五線譜快很多。

(八)    所需要的外語能力：簡譜勝，五線譜敗。

        在簡譜上使不使用外語都無所謂，想讓簡譜顯得專業一點，那就多掰點英文在上面，不會英文就寫中文，大家還是都看得懂。至於五線譜，那可不能亂來；能用五線譜寫完一首歌曲的總譜，其中所使用的速度標示、表情敘述、演奏記號等正確術語，少說也包含了七、八個國家的語文。

(九)    環保觀念：簡譜勝，五線譜敗。

       寫得少紙張自然用得少，既環保又衛生。一首編曲總譜要用五線譜寫完，寫個五、六張大譜表都算正常；改用簡譜來寫，只要用一張A3就全部搞定。

(十)    編曲成本：簡譜勝，五線譜敗。

       省墨水、省紙張、省時間。在商言商，當然還是由簡譜獲勝。

     結果是由簡譜全部勝出，五線譜大敗；這樣的結果你能接受嗎？上面的比較，多多少少帶點諷刺的意味，但是其中的理由，卻也都是事實。簡譜能在國內的唱片幕後圈大行其道，還有很多原因，我們在後面會繼續討論。

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      為什麼國內唱片業界的編曲人，大多數都使用簡譜，而不使用五線譜？

        想知道答案？！我們先來看一則小故事吧。

        據說早期國內的專業編曲人，都還是以五線譜編寫總譜。

        直到有一天， 一位知名的編曲家A老師，接獲一首需要大編制樂隊來襯托的歌曲，於是A老師用畢身功力洋洋灑灑地編寫了這個曲子；當時 MIDI 樂器仍不普遍，為了演奏這首編曲，一共請了 30名樂手來演奏。

        正式錄音的那一天，A老師手持總譜，同時發給每個樂手的一張分譜，正打算開始錄音的前一刻，突然由唱片公司來了一個電話，說是原來預定要唱這首歌的女歌手，合約出問題，不能唱了；唱片公司居於政策考量，決定換一個當紅的男歌手來唱。

        當下A老師二話不說，先撥了個電話給這個男歌手，詢問他的音域，然後請他儘快到錄音試唱。由於音域不同需要轉調，於是A老師將總譜和分譜重新編寫，花了兩、三個小時終於全部改寫完成。

        男歌手也適時趕到錄音室，A老師集合所有樂手試奏一次，順便讓男歌手試唱。結果，一唱之下A老師快要瘋掉；男歌手竟然覺得調子太高，活生生就那麼個半音唱不上去。原來，這位男歌手最近太紅了，每天都接了好幾場的工地秀，過度演唱導致喉嚨太疲勞，高音唱不上去。

        這下糗大，30名樂手的酬勞都發了，30個便當也吃光了，唱片公司急著要工作進度，錄音不能改期。為了半個音，A老師只好再埋頭重寫。就在那一天，A老師為了一個原調和兩個轉調，寫了將近一百份的五線譜；當下有直接被豆芽菜和蝌蚪吞噬的感覺。

        在那次的慘痛經驗之後，A老師決定從國外引進簡譜記譜法。其他編曲人試用之後，發現簡譜的記譜十分簡便；就編寫各種樂器分譜來說，不像五線譜必須依照不同的樂器，使用不同的高音、中音、低音譜表；也不用理會調子不同的升降記號變化，在編寫移調樂器時，也是同樣簡單。特別是遇到轉調的時候，五線譜是一定要全部重寫，簡譜卻是一字不動可以直接進行轉調演奏。

        就這樣，由於它的簡便性，讓編曲人在工作上可以節省很多時間，於是慢慢地，在國內使用123代替Do Re Mi的編曲人就越來越多了。

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(一) Tietle歌曲名稱：正確地紀錄歌曲名稱。

        確保這首歌曲的歌曲名稱，與原歌詞作者的歌曲名稱保持一致；歌曲名稱的確認，可以詢問你的製作人。

(二) Tempo歌曲速度：正確地紀錄歌曲速度。

        歌曲速度通常是依照原作曲人在Demo帶所使用的速度一致；但編曲人本身也可以依照編曲內容的需要而稍做調整。最後歌曲速度的決定，還是會依歌手實際演唱的狀況再做調整。歌曲速度的確認，可以詢問你的製作人。

(三)  Key歌曲調子：正確地紀錄歌曲調子。

        歌曲調子的決定主要是依據歌手的音域，除了考慮最高音、最低音之外，歌手以哪一個音區的表現最好，也常是決定調子的重要依據。歌手的歌聲資料，除了詢問你的製作人之外，也可以從該歌手近期發表的專輯中分析得知，至於歌曲調子的最後決定權，還是在製作人手上；在開始編曲作業前，請先和你的製作人取得共識。

(四) Rhythm節奏形態：清楚地標示節奏形態。

        這是一處編曲人能全權做主的部份；在這裡，你可以決定為這首歌曲選擇自己所擅長的風格，並標示出你覺得適當的節奏形態，所有的樂手會根據這個基礎，全力為你演奏。當然，請在編曲作業之前，為你的製作人稍稍形容一下，使用這種節奏形態可以為歌曲帶來的美妙效果。取得事先的認同，可以避免事後因為未溝通而發生的困擾。

(五) Melody Line主旋律線：正確地紀錄主旋律線。

        通常編曲人取得主旋律線的管道，都是透過原作曲人的 Demo 或曲譜，但是主旋律線常會因為歌手的實際演唱能力而修改，甚至 Demo 和曲譜上的主旋律線也經常有出入。確定主旋律線是製作人的工作。因此，在開始編曲作業之前，可以請你的製作人，給你正確的主旋律線，以避免後面的工作，包括編寫和絃進行在內，會有誤判的狀況發生。

(六) Arrangment Construction編曲曲式進行：正確地紀錄編曲曲式。

        這也是一處編曲人可以主導的位置，除非有特殊狀況，否則曲式的進行，段落的重複，都是有一定的慣性可循。像是「兩遍半」這種曲式，至少在國內通用了快 20 年，國內目前一半以上的歌曲也都還採用這種進行。同樣的，在決定編曲曲式進行之前，先和你的製作人溝通，除非製作人在這首歌曲的段落進行上，有特殊的創意和構想，否則還是會以編曲人的構思為主。

(七) Chord Progression和絃進行：清楚地標示和絃進行。

        這同樣屬於編曲人所能決定的範圍。如果你和你的製作人在事先有充分溝通，對於歌手的定位、預定消費市場的鎖定也十分瞭解的話，一般來說，製作人會充分尊重你所編寫的和絃進行，而較少進行干涉。

(八) Filler 插音：清楚地標示插音的位置、音符、與指定的演奏樂器。

相同的，這還是編曲人能夠全權處理的範圍。鮮少製作人會在這個部份要求修改；除非，這些插音在整體音樂表現上顯得特別突兀或不恰當。

另一個可能性是，編曲人指定使用真實演奏樂器的多寡，會直接影響到唱片製作預算的開支。製作預算容許你使用多少樂手來錄音？要使用多少 MIDI樂器來取代？這兩個問題必須在開始編曲作業之前，先從你的製作人口中得到答案，以確保你的編曲內容能順利進行。

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       延續前面包含「歌曲名稱」、「歌曲速度」、「歌曲調子」與「節奏形態」這四個總譜要點       

我們先從主旋律線談起，也就是一首編曲的主體，需要將它標示清楚的原因是：有很多時候，樂器與樂隊的錄音工作，會在歌手錄唱之前進行。

         也就是說，樂手極有可能是在聆聽不到主旋律線的情況下，進行錄音工作。遇到這種狀況，樂手通常都要目視總譜上的主旋律線，然後「預期」歌手的演唱來進行伴奏。

        主旋律線的另一個重點是：對照曲式進行，我們可以知道歌手要唱幾遍歌、哪些段落該反覆。對於處理重複的演唱段落，通常都會複製貼上，至於從何處複製？貼上到哪裡？需要複製幾次？這些問題都應該在總譜上可以找到答案。

        清楚的標示出曲式進行，可以讓所有的樂手目視總譜，瞭解自己目前所演奏的位置。隨著段落的不同，對樂手在選擇音樂表現的誇張度上，會有所不同。

        譬如說：在前奏、間奏、尾奏等這些段落，樂器的表現可以稍稍誇張，負責獨奏的樂手可以盡其可能的演奏；但在歌手進行演唱的段落中，樂手則需避免過於誇張的表現，以免影響聽眾的注意力，分散了歌聲的焦點。

        另外，曲式進行對錄音師來說異常重要，錄音師會在每個重要的段落上，抄寫上工作母帶的位置碼 (Location) ，根據這些位置碼，錄音師可以快速的找到各個段落，以進行歌手錄唱和樂器收音等工作。

        而混音師也會依照錄音師所提供的這些位置碼來進行工作。請記得！這些位置碼最容易辨識與閱讀的方法，就是抄寫在編曲人所提供的總譜上。缺少總譜或者曲式進行標示不清楚，就會造成大家的困擾。

        除非這是一首全部使用 MIDI 樂器的編曲；也就是說，已經不再需要任何樂器的演奏及錄音。否則，沒有和絃進行的總譜，任何樂師都不可能即刻做出適當的演奏。因為一首主旋律，可以配搭的和絃進行數以千計。吉他手需要它；和聲編寫人也需要它。

沒有清楚的和絃進行，即使在母帶裡有其他的 MIDI 樂器可以比對，對吉他手與和聲編寫人來說，還必須花時間做和聲聽寫的工作，徒增工作上的麻煩。

        至於插音，樂手可以參照主旋律線以及曲式進行的位置，來分辨這些插音的功能。它可能是段落與段落之間的過門樂句；也可能只是歌手在進行演唱當中，做為銜接樂句與樂句之用的短小音型。

        特別是在很多時候，編曲人在這些需要插音的位置上，只寫上「Fill in」。也就是說，只標示出需要插音的「位置」，並沒有寫出插音的「音符」。這時候，樂手就必須比對主旋律線與曲式進行，才能選擇適當的音符，做出正確的演奏

接下來，我們再來談主旋律線 (Melody Line)、編曲曲式進行 (Arrangment Construction)、和絃進行 (Chord Progression) 與插音( Filler ) 在總譜上，對於其他後續工作者的重要性。

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        Tietle(歌曲名稱) 、Tempo(歌曲速度)、Key(歌曲調子)，Rhythm(節奏形態) ，這四個要點是流行音樂總譜上，最基本也最重要的；特別是以簡譜形態來編寫總譜的時候。所有的演奏者在視奏總譜之前，都會先瞄一下這四個要點。千萬別忽略這四個小玩意兒，沒了它們，一定會增加其他幕後工作者的困擾。

    我們現在就來看看，一紙總譜的內容可以對哪些工作帶來方便。

        首先來看歌曲名稱，讓每一首歌曲的歌曲名稱保持一致性，其實是非常重要的。因為一張專輯，並不是只有一首歌曲；歌曲名稱不確定或不詳盡，後面的溝通就容易發生問題。

        例如「那首慢歌」、「那首快歌」、「那一首A老師編的歌」、「那一首很好聽的歌」，哪一首是哪一首？誰會知道啊！此外，常見的問題包括編曲人以自己的MIDI檔案名稱，當作歌曲名稱使用。

結果原名「愛得太過」的歌曲名稱就變「Love」，第二首「最愛」就變成「Love2」，再來一首「你還愛我嗎？」就直接變「Love3」；把這些「Love」寫在總譜的歌曲名稱上，會直接讓人霧煞煞。所以說，把歌曲名稱寫清楚，是非常重要的事情。

        歌曲速度呢？這是最常涉及吉他手和混音師的工作。吉他手在搭奏電吉他時，有時候會將電吉他的 Reverb (殘響效果)和 Delay (延遲效果)直接錄到母帶上，選擇與設定正確的 Reverb Time (殘響時間)和 Delay Time (延遲時間) ，就靠總譜上的歌曲速度。

        對於混音師來說，也是相同的理由；不確定歌曲速度，就必須去買個節拍器，然後把它算得出來，否則種種效果器的時間設定，就有可能出問題。對編曲人來說，在總譜上寫上歌曲速度，應該只是舉手之勞吧。   

        歌曲調子也是一樣，有了清楚的歌曲調子，吉他手可以直接考慮是否調絃彈奏；像是 B 大調這種調子，在吉他上可運用的開放絃比較少，和絃的聲響會不如 C 大調豐滿，這時候吉他手就會考慮調絃演奏，而不必還在那邊花時間找調子。歌曲調子對一個資深的和聲編寫人來說，也會影響他的編寫內容，還有和聲人員的挑選。

        此外，Vocal Edit (主唱音軌製作)這個工作，漸漸也成為唱片製作的必經流程之一；這個工作主要是以電腦來微調主唱音軌的 Picth (音高) ；無論在電腦上的參數設定，或者對這項工作的負責人員來說，歌曲調子都是進行這個工作的重要依據。

        最後，節奏形態當然取決於音樂風格(Style) ，這對所有的伴奏樂器都很重要。清楚標示出節奏形態，最基本的鼓手、貝斯手、吉他手與鍵盤手，幾乎都可以知道他們該使用哪一類音型、哪一種節奏來演奏。

        尤其是以簡譜來編寫總譜的時候，明確的標示出節奏形態，可以讓編曲人省掉一些工作時間，因為有很多特定的節奏形態，它的基本節奏、變化節奏和節奏音型都是固定的，經驗豐富的樂手可以很快地分辨它們。

        在一個有限的框架內，充分發揮這些樂手們的經驗與即興演奏能力，這就是清楚標示節奏形態的優點。

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哈哈哈哈，如果一個編曲新人開始有這種埋怨，恭喜你！因為你即將進入真正的編曲世界了。

     編曲的工作，本來就像化妝師一樣，就是盡其可能美化旋律。其實單單用化妝師、造型師這類的職業來比擬唱片世界裡的編曲工作，還不夠貼切，用「整形醫師」來形容專業編曲人的工作，應該是最恰當吧。

「醜的想美，美的想更美」，大概就是這麼回事，既然身為「整形醫師」濟世懸壺，也就沒什麼道理選擇病患，那是沒有醫德的，呵呵呵。

    越是功力深厚的編曲人，就越有可能編到這一類奇奇怪怪的旋律。可要知道，若無一定功力，唱片公司也很難信任一般編曲新手可以處理這一類的旋律。

打個比方說，癌症末期的病人上小診所是不大恰當的。所以若非醫術高明，一般是不會隨隨便便把重度病患往編曲新手這邊送的。

    唱片歌曲的旋律，與一般的器樂曲的旋律有很大的差別。由於大多數的編曲人，通常都是器樂演奏者出身，很容易就對這一點有所疏忽。

我們在看唱片旋律時，如果以器樂的角度來審視它，通常會發現它非常的無趣，主題也不明確，音域狹宰，無聊的音一堆，甚至音程連接怪異，不知所云。

大多數這種狀況，都是因為拿器樂曲的旋律標準來看唱片歌曲的旋律，才會有這麼大的不同。


    還記得「馬格連那」這首紅遍世界的舞曲嗎？解析一下它的旋律結構，會不會有點好笑？
   
    再試著想像，如果接到的是周杰倫的「雙截棍」的編曲工作，先解析一下這首歌曲的旋律，再想像一下應該如何處理......。(別問我旋律在哪裡？^_^)

        黃霑的名曲「滄海一聲笑」，解析整個旋律，也不過就是五聲音階上上下下，在鄰近音上跑來跑去。但加入歌詞、畫面、演唱及編曲之後，又整體呈現了什麼結果？

        唱片歌曲中的「旋律」，並不是一首歌的全部，這裡面還有歌手演唱、還有歌詞，這兩個部份也都會影響整個成品的結果，旋律的好壞，充其量也只佔1/3的比重，它並不是一首唱片歌曲的全部。

再說，一首流行歌曲是否會紅，還包括製作、企劃、宣傳、甚至MTV等等各種要素。

        唱片幕後工作是一個重視分工合作的世界。每個唱片幕後工作者都盡力為一件作品加分，誰都無法掌控關鍵性的分數或比重，一首流行歌曲的成功，必須經過分數的累積，也就是每個部份都加夠了分數，才能有突出的表現。

唱片編曲工作也是如此，雖說編曲部分很重要，但也不是全部。

「爛旋律」才真正需要「好編曲」。

「爛旋律」再加上「爛編曲」，那編曲人的責任則無可旁貸。

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